Деградирующая музыка: что же с ней случилось?

\Уже относительно давно научно доказана деградация музыкальной культуры. Теперь заявить, что это лишь ретроградное заблуждение не получится. Обвинения в деградации регулярно получает и культура. Капитолина Кокшенева называет частью «новой культуры» антисоциальное поведение [1], Светлана Неретина высказывает предположение о «конце культуры», а Вадим Розин видит неразрывную связь современного состояния культуры и ее будущего с понятиями «неопределенность», «сложность» и «хаос» [3]. Перечислять теории, посвященные деградации культуры, можно долго. Но что особенно интересно и вполне закономерно для каждой из таких теорий – это мысль о том, что вместе с культурой деградирует и человек.

Но что же случилось с музыкой? Как из сложнейших интеллектуальных произведений она превратилась в примитивные и невыразительные композиции, заполняющие топ-чарты. Очевидно, музыка – это именно то искусство, которое сопровождает каждый день практически любого человека. Так, исследования, проведенные в 2019 году в «Левада-центр»* (внесен Минюстом в реестр НКО, выполняющих функции «иностранного агента») и IFPI (Международная Федерация Фонографической Индустрии), показали следующее: первая организация сделала вывод, что ежедневно/почти ежедневно музыку слушает 51 % респондентов [2], вторая – подсчитала примерное количество часов в неделю, отведенное прослушиванию музыки (в среднем, 18 часов в неделю) [5].

Высказывается предположение, что музыка – древнейшая форма коммуникации. Журналист из BBC Future Дэвид Робсон считает, что музыка вполне могла возникнуть на фундаменте ассоциаций с криками птиц и зверей как средство, с помощью которого человек мог выражать свои эмоции и чувства [6]. Иначе говоря, музыка стала протоязыком, подготовившим почву для появления полноценной речи. В античный период музыка впервые становится предметом для изучения в теоретических работах, в этот же период появляется предок современного органа, музыкальная драма. С данного момента музыка становится полноценным искусством, стремительно развивающимся, полным экспериментов, талантов и беспрерывного творчества.

Безусловно, в наши дни имеет большое распространение популярная музыка (массовая, развлекательная), вполне очевидно ее стремление к простоте и примитивности звучания. Однако, следует упомянуть, что разделение академической музыки (серьезной, ученой) и популярной зафиксировано еще в памятниках Средневековья и Раннего Возрождения. Прежде всего это связано с культурными различиями монастырей и дворцов (разделение на церковную и светскую музыку). Правда, такое разделение все равно не подразумевало массового распространения, достоянием общественности популярная музыка стала в XIX веке, даже скорее к его концу.

Этому поспособствовали американские менестрели (к средневековым они не имеют никакого отношения, прозвали их так в честь популярного коллектива, выступавшего в Нью-Йорке под управлением Дэна Эмметта с 1843 года, «Менестрели из Вирджинии»), затем появился джаз, мюзиклы, оперетты. В 1885 году, с «Аллеи жестяных кастрюль», нью-йоркского издательского синдиката, поставившего производство массовых песен на коммерческую основу, началась история современного музыкального рынка. К слову, тогда же появилось понятие «sheet music» – песня умещалась на одном развороте нотного листа (одна страница для куплета, вторая – для припева). Музыкальную грамоту освоил почти весь белый средний класс, после отмены рабства музыкальное образование своим детям начали давать и негры-издольщики.

Появление грамзаписи и радио ускорило процесс распространения музыки в массы. В музыку начинает входить шум, грохот, она становится яркой, танцевальной, порой кричащей, полной экспериментов и головокружительных идей. Знаменитый перформанс Джона Кейджа, сочинившего пьесу «4'33''», в которой музыканты выходят на сцену с инструментами и не играют в течение четырех с половиной минут, – показательный пример эксперимента, исследующего границы музыкального. Во время исполнения сочинения каждый случайный шум становился частью музыкального произведения Кейджа.

Музыка на протяжении нескольких столетий представляла собой удивительное полотно, непрерывно меняющееся, наполненное уникальными пятнами, достойными стать частью истории музыкального искусства. Но, как оказалось, всеобщая доступность погрузила музыку в огромный аппарат бесконечного производства однотипного материала.

К чему привели многочисленные эксперименты и музыкальная грамотность, в своем исследовании выяснили ученые из НИИ искусственного интеллекта в Барселоне [4]. Еще в 2012 году они решили проанализировать изменения в популярной музыке с 1955 по 2010 годы. Для этого были отобраны 500 тысяч композиций из базы данных «Миллион песен». В качестве критериев для анализа исследователи выбрали гармоническую сложность, тембральное разнообразие и громкость.

Отсутствие оригинальности также было доказано. Для того, чтобы создать современную песню необходим стандартный набор: определенная комбинация клавиш, драм-машина, сэмплер. Основная масса артистов использует одинаковый переход от пятой ступени мажорной гаммы к третьей и обратно к пятой, сопровождая комбинацию обычно словами «Wow, wow». Это популярное клише, названное «криком миллениала», привлекло внимание исследователей. Так это явление окрестил еще музыковед Патрик Метцгер, тогда же использование «крика миллениала» в поп-композициях он назвал преступлением.

Другой популярный прием, характерный для современной музыки, – крючок (hook). Название достаточно говорящее, такой прием должен зацепить слушателя при помощи музыкальных и вокальных алгоритмов. Удачный хук застревает в голове у слушателя. К слову, успех популярности многочисленных песен в TikTok часто зависит именно от использования хуков, поэтому условно можно выделить две категории: негативные и позитивные.

Вторые более продуманные, выверенные по времени повторения, оригинальны, умеренно отличаются от основной гармонии (например, слово yesterday в одноименной песне The Beatles, проигрыш в песне In my time of dying Led Zeppelin). Негативные хуки справедливо назвали ушными или иначе мозговыми червями (earworm/brainworm). Как правило, для них характерно множественное количество неуместных повторений, примитивная структура, нацеленная на то, что песня останется в голове слушателя, быстро станет знакомой и будет способствовать повторению прослушивания.

Исследователи озадачились тем, что использование хуков заметно возросло. Устройство человеческого мозга с его стремлением к простоте и возросшая борьба за внимание требуют мгновенного и максимального захвата внимания. Это во многом и привело к примитивизации и схожести огромного количества современных композиций.

Анализ тембрального разнообразия, которое выражается количеством используемых инструментов и вокальным диапазоном, также показал негативный результат. «Глубина» и «богатство» современных произведений заметно снизились. Вполне очевидно, что такая же ситуация характерна и для поэзии в музыке. К текстам популярных песен, написанных с 2005 по 2014 год, был применен индекс удобочитаемости Флэша-Кинкейда. Так можно исследовать сложность произведения для восприятия и измерить литературное мастерство. За выбранный период значение индекса упало на полпункта, количество повторений одних и тех же слов увеличилось, а сами тексты стали короче. Вероятно, это связано с тем, что практически все мировые хиты в указанный период были написаны Максом Мартином и Лукашом Готвальдом.

Для того, чтобы достичь коммерческого успеха, многие музыканты используют простой и достаточно эффективный прием – увеличение громкости при помощи компрессии (минимизируют разницу между самыми громкими и самыми тихими звуками). Композиция становится менее выразительной, но позволяет дольше удерживать внимание слушателя.

Постоянно работающий конвейер создает посредственный музыкальный фаст-фуд, быстро создающийся, быстро поедающийся и быстро забывающийся. Все это часто оправдывается ненужностью усложнения музыки, ведь это раньше у Бетховена и Шуберта, написавших по девять симфоний, или у Шумана и Брамса, написавших по четыре симфонии, было время работать над столь сложными произведениями (однако еще до периода романтизма Моцарт написал 41 симфонию, а у Гайдна их больше сотни). Густав Малер, творивший в эпоху романтизма, сравнивал написание симфонии с созданием нового мира. Перечисленные романтики творили в иной плоскости, пытаясь вдохнуть волшебство в повседневность.

Неудивительно, что симфония XIX века достаточно долго писалась, но она и звучала в разы дольше. В каждом произведении от композитора требовалась оригинальная идея, не повторяющая его предыдущие творения. Тогда же появилась и музыкальная критика, ставшая влиятельной силой в культурном пространстве. Композиторы ощущали необходимость осуществления своей главной задачи – просветительской. Наступало время свободных художников, наделивших звук экстрамузыкальными понятиями, смыслами, сюжетами.

Тяжело представить современного исполнителя, работающего над симфониями для широкой публики, да это и не нужно. Наверное, мы бы восприняли его так же, как и современники Баха воспринимали творчество важнейшего в истории композитора, считая его старомодным, искусственным и чересчур ученым. Стремление к простоте и скорости – это, конечно, не оправдание, ведь как-то смогли интенсивно работать: Бах, создавая в неделю кантату, Гендель, пишущий свои оперы за две недели, Вивальди, утверждавший, что одну из опер написал за 5 дней, Телеман – один из самых плодовитых композиторов, написавший несколько тысяч сочинений. 

Безусловно, современным транснациональным корпорациям, нацеленным на внедрение эскапизма и примитивизма, на глобализацию и стирание национального своеобразия, выгодно создать послушную потребляющую массу, у которой отключено аналитическое начало. Отсюда следуют и материальные причины деградации. Такому потребителю проще продать любой товар. Крупные лейблы используют множество ресурсов, людей, часов для того, чтобы создать максимально усредненный продукт, который понравится большинству людей. Так, появляются проверенные методы, которые современные творцы используют снова и снова. Закономерны бесконечные повторения, исчезновение выразительности, богатства музыки и глубины. Безусловно, не вся современная музыка тотально деградировала, пропуская через сито песок, можно найти золото.

Однако большое искусство, создающее новый авторский мир, бережно относящееся к звуку и к своим слушателям, экспериментирующее, уникальное, заняло место суфлера. В современном театре, в котором больше не нуждаются в суфлере.

Библиографический список:

1.    Кокшенева, К.А. Концепт «русская культура» и современные практики культурного наследования / К.А. Кокшенева. – М. : Институт Наследия, 2019. – 472 с. ISBN 978-5-86443-286-0.
2.    Музыкальные предпочтения. – Текст : электронный // Левада-Центр : [сайт]. – URL: https://www.levada.ru/2019/02/18/muzykalnye-predpochteniya/ (дата обращения: 15.11.2021).
3.    Розин, В.М. Концепция «посткультуры» / В.М. Розин // Культура и искусство. – 2019. – № 6. – С. 45–52. – DOI: 10.7256/2454-0625.2019.6.29768.
4.    Measuring the Evolution of Contemporary Western Popular Music. – Текст : электронный // Scientific Reports : [сайт]. – URL: https://www.nature.com/articles/srep00521 (дата обращения: 10.11.2021).
5.    Music listening in 2019: 10 takeaways from the IFPI’s new report. – Текст : электронный // Music Ally : [сайт]. – URL: https://musically.com/2019/09/24/music-listening-2019-ifpi-report/ (дата обращения: 12.11.2021).
6.    Robson D. Why music has a hotline to our emotions / D. Robson. – Текст : электронный // BBC Future : [сайт]. – URL: https://www.bbc.com/future/article/20150918-why-music-has-a-hotline-to-our-emotions (дата обращения: 10.11.2021).

10.12.2021

Статьи по теме