Не секрет, что культура многогранна. За все время существования общества она развивалась абсолютно различными путями, приобретала свойственные эпохам черты, тесно вплеталась в менталитет народов. Если говорить о нашей отечественной культуре, мы можем представить ее отличительные особенности, ярких и значимых деятелей. Она сформировалась в разнообразный, но при этом единый пласт, и мы легко можем идентифицировать ее среди других культур. Содержательно по этому вопросу высказывался писатель Ю. И. Селезнев, который считал основанием отечественной культуры народность, и несмотря на кратковременное влияние на нее Ренессанса, подчеркивал ее уникальный путь: «Не в прошлом (эпоха Ренессанса), а в будущем видели русские мыслители культурное предназначение России, не в родственности русской литературы европейскому Ренессансу, но в выработке своих оснований; не в воспроизведении форм классического гуманизма … но – в преодолении их виделся им путь русской литературы» [6].

Тем не менее, современная российская культура, продвигаемая и популяризуемая, нередко представляет собой попытки нынешних деятелей создать «искусство», приписать ему статус «российского», затем подороже продать. Естественно, от национальной культуры здесь не остается ничего – лишь сильнее проявляется следование трендам и одобрительное кивание головой под инструменталы современной повестки. Особенно это заметно в изобразительном искусстве, в нынешних инсталляциях и перфомансах.

Уилл Гомперц, подробно разбирая феномен новейшего искусства в работе «Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси», называет нынешний период «предприниматизмом», подчеркивая, что в обществе потребления культура предпринимательства не просто развилась, а стала основой современного искусства [4]. И если подобная тенденция вполне характерна для США и множества европейских стран (там и произошел этот переход от несколько наскучившего постмодерна к предприниматизму), то развитие подобного направления в России лишь подчеркивает нежелание (или неумение, или все вкупе) современных авторов заниматься уникальным творческим процессом – им это не нужно, куда проще и результативнее развивать течение, сложившееся в абсолютно другой стране с абсолютно другим менталитетом.

Возьмем, например, одного из главных авторов предприниматизма – англичанина Дэмьена Хёрста. Он с детства вдохновлялся экспрессионистом Бэконом, затем занялся переосмыслением своих же работ, попутно впитывая в себя характерные черты Марселя Дюшана, используя в искусстве предметы быта, вещи из магазина, придавая им сакральный (и не очень) художественный смысл. Но британец не пошел по пути постмодерна, а выработал свой узнаваемый на арт-рынке почерк.  

Американец Джефф Кунс – автор, прославившийся не в последнюю очередь за счет идеи использования китча, вычурности как отличительной особенности произведений («Собака из шариков», «Майкл Джексон и Бабблз»). В свое время он создал творческое пространство, похожее на «Фабрику» Уорхола. Кунс часто обращался к саморекламе, провокациям с использованием, например, библейских сюжетов, аллюзиям на известных художников.

И авторы выше, и такие личности как Т. Мураками, Т. Эмин, М. Куинн, А. Вэйвэй, и великое множество других, менее известных – в той или иной степени представляют свои работы как товар, снижают значимость искусства, стирая границы между ним и бытом, занимаются самопиаром, привлекая к себе все больше и больше таблоидов. Но самая главная схожесть у подобных авторов современного искусства – ориентир на поп-культуру, глобализацию. Это очень легко проверить – упомянутый выше японец Такаси Мураками, после смещения центра мирового искусства в Америку, постоянно использовал китч, элементы западной культуры (например, ковбоев), дабы восстановить равновесие, привлечь больше зрителей с помощью глобализации творчества. Вэйвэй по этой же причине переехал из родного Китая в сверкающую Америку.

Именно поэтому, мне кажется, нам не так важно обсуждать, насколько плохи или хороши произведения подобных творцов – по крайней мере, они во многом каноничны и характерны для их культуры. То, что не один десятоко лет на западе поощрялось и продвигалось, вряд ли могло не стать частью их культуры, искусства. Важно то, насколько сильно все это перебралось в Россию – и массы приняли это как должное, как будто так всегда было и должно быть.

Опять же, можно бесконечно говорить о меркантильности Кунса и безнравственности Хёрста, но они сумели воплотить традиции собственных культур и создать новое. Зачем воплощать то же самое в рамках российской культуры? Помимо очевидного заимствования тенденций, большинство произведений – подобия, не дотягивающие ни в чем до оригиналов известных авторов, без особой идеи и какого-либо новаторства.

Отметим, что необходимо отличать копирование, пустое эпигонство от перенимания чужого опыта с целью выработки собственного стиля. Здесь можем снова обратиться к Ю. И. Селезневу. Автор в работе «Глазами народа» говорит о роли античности в становлении русской культуры следующее: «Трудно назвать писателя того времени (конец XVIII ­– начало XIX века – прим. И. Л.), который бы избежал этого влияния, потому что то была не мода, не поветрие, но естественный этап в поисках своего национального стиля» [6]. В современности же мы наблюдаем преимущественно уподобление, и скорее поветрие этой западной глобалистской моде, что в итоге никак не вяжется с нашей национальной идентичностью.

Взглянем на юбилейную десятую ярмарку современного искусства в Москве – Cosmoscow 2022, открывшуюся в Гостином Дворе с 15 по 17 сентября [1]. Очень примечательно, что подобное мероприятие проходит в старейшем выставочном центре столицы, который является объектом культурного наследия народов РФ. Примечательно и то, что выставка позиционируется как «отличный способ поддержать российскую развивающуюся арт-индустрию» (Э. Терноградская, основатель галереи Syntax), «совместное развитие российского арт-рынка» (директор-основатель выставки с интереснейшей фамилией – М. Пушкина) [1].

С помощью материалов из «Московской правды» мы можем увидеть на выставке то, как искусство, которое раньше диктовало тенденции и изменяло сознание людей, являлось не только дитем своего времени, но и матерью будущего, (вспомнить хотя бы имперссионистов и их влияние на общественное сознание, футуризм, и т. д.) сейчас под эти же самые тенденции слепо подстраивается [1]. Посудите сами – мероприятие насыщено онлайн-площадками по продаже цифрового искусства, различными NFT, о которых слышал даже ленивый. Конечно, коммерциализация была и в начале модерна (салон отверженных, официальная французская выставка), но она не ставилась во главу угла, не была основой всего и вся, что связано с искусством.

Куда же на Cosmoscow 2022 без глобализации – все отделы выставки с английским названием: Main, Frame, Design (собственно, как и название мероприятия). «Эксперты» же говорят о важности обмена опытом на «ярмарке» не только между российскими галереями, но и с иностранными художниками ­– так считает Николай Дмитриев, основатель Pennlab Gallery. Только здесь не нужно подменять понятия. Cosmoscow 2022 – это не об обмене культурным опытом, это скорее о «Смотрите, мы тоже можем, как вы! У нас даже названия отделов на английском! А еще у нас Ленин за руку с Микки Маусом ходит (именно так выглядит одна из работ выставки – прим. И. Л.)». Вообще, очень иронично то, как Николай Дмитриев своими высказываниями противоречит предприниматизму, представленному на выставке. Он говорит, что увеличение числа арт-ярмарок способствует увеличению значения искусства. Ирония в том, что предприниматизм в основе своей это значение априори уменьшает, стирает грань между элитарностью и массовостью, снижает искусство до быта.

В целом, получается, что мероприятие отлично выполняет свою цель – привлекает иностранных специалистов, развивает российский арт-рынок. Правда, в этом случае непонятно для чего. То есть, представим: наш рынок искусства в итоге полностью подвергается глобализации, следует ее канонам, постепенно лишаясь идентичности. Тогда вопрос: какой на российских авторов будет спрос? Зачем человеку созерцать тот же продукт, который и без наших мастеров и так представлен, он первичен, и зачастую качеством гораздо выше?

Существует мнение, что истинное искусство – другое, некоммерческое, «наполненное» идеей и смыслами, отражающее национальную идентичность, якобы, не проходит цензуру и блокируется руководящими органами.

Например, Дмитрий Волчек, главный редактор сайта печально известного «Радио Свобода» (внесена Минюстом РФ в реестр СМИ-иноагентов), заявляет: «Искусство находится под гнетом Z-цензуры». На протяжении всей статьи автор подчеркивает, как плохо живется современным творцам, пытающимся донести «правду», ссылается на художника Д. Виленского, который говорил, что люди в арт-комьюнити серьезно психологически травмированы [3].

Волчек отмечает: «Z-культурные телеграм-каналы старательно мониторят планы галерей и концертных залов и призывают своих читателей писать доносы на нелояльных художников и музыкантов». Ни одного примера, подкрепляющего высказывания, естественно, он не приводит. А зачем это делать, когда ты главный редактор? Волчеку легче поиронизировать над словами Алексея Пушкова, который назвал модерн-арт «пошлостью или пустотой», но не сказать, почему он не согласен с этим. Легче объединить в своей статье закрытия нескольких выставок (по совершенно разным причинам) и сгрести все под лозунг: «Возвращение советской цензуры» [3].

Я не хочу заявлять, что цензуры не существует, что произведения искусства или выставки не подвергаются рассмотрению свыше. И да, на мой взгляд, меры наказания за творчество порой действительно превышают норму. Но разве на арт-пространстве должна существовать прямая пропаганда ЛГБТ, о запрете которой так печалится Дмитрий Волчек? Должна существовать в качестве объекта «российского искусства», например, картина К. Миллера «Живые и мертвые», в которой и незрячий заметит злорадство над «Бессмертным полком»?

Такое «социалистическое» искусство с либеральным посылом, по-моему, в контексте отечественной культуры нисколько не лучше работ авторов предприниматизма – ни те, ни другие не отражают национальную идентичность, традиционализм, духовность. Происходит либо паразитирование и высмеивание культуры (как пример – работы Александра Косолапова), либо выражение протеста против страны (как у оппозиционных художников, о которых рассказывает Дмитрий Волчек).

А что происходит с искусством, когда из него «вынимают» духовное? Во Франции XIX века возникло L'art pour l'art – «Искусство ради искусства», концепция, отсекающая надобность морали, идеологии, пользы искусства как высокого явления. Сейчас же, как можно заметить, подобное приводит к ускоренной глобализации, утрате уникальности и в принципе ценности искусства, а затем и культуры.

В. В. Кандинский в работе «О духовном в искусстве» представлял духовную жизнь как треугольник, движущийся острым концом постепенно вперед, развивая эту самую духовность, и распространяя ее от «острого конца»  – малой секции, в которую входят единицы творцов, к массам – самой большой по численности части треугольника, находящейся у основания [5]. Следовательно, логично представить исход ситуации, когда представителями верхней секции являются далеко не духовно-наполненные личности – «преображенный хлеб» отсутствует, остальная часть не подпитывается духовно, а только отравляется дарами, посланными деятелями искусств свыше. Это, просто-напросто, ведет к упадку в культуре. В нашем случае: проявляется в глобализации отечественного искусства – оно уходит от традиционности, ценностей, от святого и возвышенного к низменному.

Кто-то обязательно скажет, что современное искусство трудно создавать и популяризировать в рамках имеющихся тенденций, со смещением центра внимания в США и либеральную часть Европы. Но такое утверждение не близко к правде.

Всем знакома частые проблемы в Мексике с борьбой с запрещенными веществами, наркотической зависимостью, преступностью. В этом контексте интересен перфоманс мексиканки Терезы Марголис: «О чем еще мы можем говорить?». Она представила инсталляцию, в которой задействовала кровь жертв убийств из-за наркотиков, показывая последствия употребления незаконных препаратов. Понятно, что работа провокационна – я сейчас не собираюсь оценивать, хорошая она или плохая. Важно, что она приближена к отражению своей национальной идентичности.

Можно долго и упорно ругать запад за то, какие ценности и нормы он продвигает, но в первую очередь необходимо понимать: для развития самостоятельного российского искусства необходимо создание альтернативы, знание культуры и традиций, и грамотное их использование в творчестве. Конечно, можно обойтись и без этого, но тогда не стоит удивляться тому, что уникальность наглухо пропадет, и ничего духовного в нашем искусстве не останется.

Нужно продвигать не глобалистскую выставку Cosmoscow 2022, а более идейную нижегородскую «Формы и методы» [8], или фестиваль «Под облаками» в Поморье, в котором наша культура и показана многогранно и традиционно [2]. Это задача не только для создателей произведений, но и для средств массовой информации, для представителей искусства, арт-диллеров и галерей. Да, с точки зрения предпринимательства это, вероятно, самый невыгодный путь для них. Но тогда необходимо либо разделять традиционное и современное искусство, либо стараться перенаправить последнее из культа страстей и потребительства к святому, высшему. Да, сейчас оно создает резонанс. Да, приносит прибыль. Но это ли должно являться истинной целью российского искусства? И таким творцам, и «оппозиционным», «независимым» деятелям искусства выразительнее всего ответить снова цитатой Юрия Ивановича Селезнева: «Истинная дерзость художника – не в произвольном «мне так хочется», но в открывании истины, по тем ли иным причинам еще не осознанной народом, но уже рожденной, уже существующей и потому услышанной чутким художником» [7].

1.10-я ярмарка современного искусства Cosmoscow 2022 открылась в Гостином дворе // Mospravda.ru. – URL: https://mospravda.ru/2022/09/16/577972/ (дата обращения: 18.09.2022).

2.Без лаптей и балалаек: в Поморье организовали фестиваль подлинной русской культуры // News29.ru. – URL: https://www.news29.ru/m/kultura/Bez_laptej_i_balalaek_v_Pomore_organizovali_festival_podlinnoj_russkoj_kultury_/98022 (дата обращения: 19.09.2022).

3.Волчек, Д. Назад, к квартирным выставкам. Искусство под гнетом Z-цензуры / Д. Волчек // Svoboda.org. – URL: https://www.svoboda.org/a/nazad-k-kvartirnym-vystavkam-iskusstvo-pod-gnetom-z-tsenzury/32014119.html (дата обращения: 18.09.2022).

4.Гомперц, У. Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси. – М. – 2016. – 530 с. – ISBN 978-5-9068-3711-0.

5.Кандинский, В. В. Точка и линия на плоскости. О духовном в искусстве / Василий Васильевич Кандинский [пер. с нем. Е. Козиной «Точка и линия на плоскости»]. – М. – 2019. – С. 15-17.

6.Селезнев, Ю. И. В мире Достоевского. Слово живое и мертвое. – М. – 2014. – 710 с. – ISBN 978-5-4438-0849-9.

7.Селезнёв, Ю.И. Златая цепь. – М. – 1985. – С. 290.

8.Современное искусство в координатах нижегородского «Арсенала» // Theartnewspaper.ru. – URL: https://www.theartnewspaper.ru/posts/20220913-naxu/ (дата обращения: 19.09.2022).