Творческий человек всегда в своих стремлениях опережает время. То время, в котором он находится. Кажется интересным его взгляд на мир: каждому из нас хочется смотреть вокруг его глазами, ловить каждое его слово, бродить по его следам, пытаться понять и ухватить в своем сознании, то, о чем он думал. О том, каков же мир из творческой мастерской художника и каким должно быть живописное искусство в целом, нам открыла в беседе Елена Ивановна Саяпина, заведующая кафедрой графики КубГУ, доцент, кандидат педагогических наук, член Союза художников РФ.  Широко известно, что ее живописные работы представлены в частных собраниях в России и за рубежом.

Немец Г.Н.: Добрый день, Елена Ивановна! Живопись, как известно, это искусство, на которое можно и нужно смотреть. Как Вы считаете, сама живопись как вид искусства – это стиль или человек?

Саяпина Е.И.: Спасибо за вопрос, Георгий Николаевич! Наверное, не буду оригинальна, если отвечу цитатой из терминологического словаря НИИ РАХ: «Живопись – творческая деятельность человека, способность к воспроизведению разнообразных явлений жизни: природы, человека, животного мира, событий из общественной или частной жизни людей…». Я думаю, что живопись обладает особой силой эмоционального воздействия на зрителя, потому что предоставляет возможность думать и чувствовать на основе пережитого опыта. Зрительное восприятие человека индивидуально, каждый видит в   произведении живописи свое, близкое. Мне нравится цитата из дневников Л.Н. Толстого: «Главная цель искусства… та, чтобы проявить, высказать правду о душе человека… Искусство есть микроскоп, который наводит художник на тайны своей души и показывает эти общие всем тайны людям».

Г.Н.: И.Н. Крамской говорил о том, что «без идеи нет искусства». Скажите, пожалуйста, что для Вас лично – идея в искусстве? Как отражается эта идея у современных живописцев?

Е.И.: Да, я совершенно согласна с Иваном Николаевичем, одним из любимейших моих художников, создавшим не только безусловный шедевр в мировой живописи - «Христос в пустыне», но и целую галерею портретов своих современников, проникнутых тонким психологизмом! Конечно, мы знаем, какие идеи выдвигали передвижники, но, я думаю, что созвучное им мнение о высокой общественной роли художника, основополагающих принципах реализма, моральной сущности искусства и его национальной принадлежности не устарело и в наше время! Может меняться стилистика живописного произведения: жанровой картины, портрета, пейзажа, натюрморта, но выбор изобразительных средств и жизненного материала зависит от идеи, цели, которую художник ставит перед собой. В разнообразии восприятий и художественных концепций образы, созданные живописцем, наполняются новым содержанием, ценность произведений живописи стоит в прямой зависимости от того, удается ли художнику передать свое отношение к миру, окружающему человека. Как говорил замечательный советский художник Георгий Григорьевич Нисский: «Березки у нас остались, только я вижу их по-другому».  А что для меня лично – идея в искусстве? Когда-то В.А. Серов писал в письмах из Италии, что «хочет таким быть - беззаботным, в нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного, и буду писать только отрадное». Так вот, и моя идея – передать Красоту нашего мира, радость и счастье, поэтому, когда мне пишут в комментариях к моим картинам в Инстаграме: «Сколько искренней и непосредственной радости! Это гимн жизни!!!», для меня это важно!

Г.Н.: Любое творчество носит открытый и познавательный характер. По мнению Стендаля, создавая картины, «важно научиться мыслить». Чему учит живопись Вас и чему Вы учите в живописи Ваших студентов?  

Е.И.: Да, безусловно! Художники любят цитировать Винсента Ван Гога: «Что такое рисование? Это умение пробиться сквозь железную стену, которая стоит между тем, что ты чувствуешь, и тем, что ты умеешь». Поэтому, для художника необходимо (о чем сейчас многие забывают), так же как для музыканта, овладение ремеслом, которое является важнейшим условием успешной художественной деятельности. Можно замыслить великое произведение живописи, но если не умеешь рисовать, писать, не знаешь законы композиции, то любые попытки создать его будут обречены на неудачу. Уже упоминаемый Валентин Александрович Серов, по воспоминаниям современников, любил повторять: «Надо знать ремесло, рукомесло, тогда и с пути не собьешься». Надо много работать с натуры, писать этюды, наброски, делать композиции, и тогда можно со временем обрести в живописи или в графике свою манеру, свой стиль, свою индивидуальность. Как- то мы говорили об этом с замечательным кубанским художником, альпинистом, Сергеем Викторовичем Дудко: «Вот учится человек на художника – 4 года в художественной школе, 4-5 лет в художественном училище, а некоторые еще и 5 лет в институте или академии, а становятся художниками,  участвуют в выставках и вступают в Союз художников единицы, потому что художнику еще и должно быть что сказать зрителю своими работами…»

Г.Н.: Живопись стремится к активному взаимодействию с другими, смежными ему видами искусства – литературой, музыкой, архитектурой. К.Ф. Юон говорил о том, что картина – это «песня без слов». Что способна, по Вашему мнению, передать картина и на что неспособна в этом плане человеческая речь?

Е.И.: Очень интересный вопрос! Наверное, картина, если речь идет о произведении станковой живописи, живописи, созданной на мольберте (то есть станке), способна сразу, моментально, в силу особенностей нашего зрительного восприятия, удивить, восхитить, обрадовать или погрузить в состояние печали, тоски своего зрителя. Тогда как литературное произведение, или рассказ человека все же требует некоторого времени. А вот о взаимодействии монументальной живописи и архитектуры, театрально-декорационной живописи и литературы, театра, музыки можно говорить очень-очень много… так же тесно связаны между собой поэзия и живопись! «Искусство всегда берёт человека за сердце и чуть сжимает его. И человек никогда не забудет этого явного прикосновения прекрасного. Человек не забудет того состояния душевной полноты и крылатости, которое иногда даёт ему одна — только одна! — строчка великолепных стихов или картина, пережившая несколько столетий для того, чтобы донести до нас свою красоту» (Константин Паустовский).

Г.Н.: Живопись, как и мировая художественная литература в целом, сюжетна по своей природе. Какие сюжеты для Вас в живописи считаются наиболее значимыми, возможно, какие-то из них являются архетипическими?

Е.И.: Да! В изобразительном искусстве сюжет – это определенное событие, ситуация, изображенные в произведении, и часто обозначаемые в его названии. В отличие от темы, сюжет представляет собой конкретное, детальное, образно-повествовательное раскрытие идеи произведения. Одна и та же тема может быть предана во множестве сюжетов. В изобразительном искусстве сюжетными в первую очередь являются произведения исторического, батального и бытового жанра. Но в более широком смысле под сюжетом в изобразительном искусстве понимают любой объект живой натуры или предметного мира, взятый для изображения. Нередко сюжет заменяет понятие «мотив», положенный в основу пейзажного произведения. Для меня, если считать меня портретистом, это в первую очередь портреты родителей и автопортреты, а как для пейзажиста у меня любимый мотив – это мотив проселочной дороги!

Г.Н.: Нередко можно встретить глубокие по своей парадоксальности высказывания о природе живописного искусства. Социолог Жан Бодрийяр говорил, что «мир красок противостоит миру смыслов». Елена Ивановна, что для Вас является наиболее важным и значимым в живописи – художественные средства или создаваемый ими смысл?  

Е.И.: Художественные средства, по моему мнению, всего лишь инструмент, и они должны быть подчинены идее произведения! Техника должна быть разнообразной, но подчиненной замыслу и воплощению изображаемого на холсте или бумаге. На самом деле техники не должно быть видно! В самых первых композиционных набросках в основе замысла должно заключаться образное зерно, тот иногда неосознанный глубинный эмоциональный смысл, который выражается в потребности изобразить увиденное. В самом желании написать мотив присутствует предчувствие художественного образа, который может выявляться постепенно, в процессе работы, а может возникнуть сразу, при активном смотрении на натуру, которое для художника не менее важно, чем непосредственный процесс кистью и карандашом.

Г.Н.: В начале XXI века не утихают споры о том, каким должно быть искусство – массовым или элитарным. Действительно ли, как говорил Бернард Шоу, «картина, которую хвалят больше, чем десять процентов публики, подлежит сожжению»? Так ли это в действительности?

Е.И.: Нет, я думаю, что это не так, истинное искусство – народно, как ни высокопарно это звучит. Ведь картины Леонардо да Винчи, Рембрандта, Рубенса, Левитана, Репина, Сурикова знают и любят все, а их художественная ценность не подлежит сомнению. 

Г.Н.: В наше время важно не только создавать масштабные полотна, но и грамотно рассказывать о них широкой публике. Скажите, пожалуйста, кто для Вас выступает примером в этой связи качественной арт-критики? Назовите их имена, расскажите, об особенностях их творческого сознания.

Е.И.: На Ваш вопрос нелегко ответить, Георгий Николаевич! В одном из многочисленных интервью, которые мне пришлось давать во время моей персональной выставки, я сказала: «Понимаете, у меня нет желания самовыразиться в своих картинах и этюдах, а есть желание передать красоту Божьего мира, неба, деревьев, ту гармонию, которая присутствует в этом мире!»,- и спустя время мне, словно подтверждение этих слов попадается цитата Гелия Коржева, одного из любимых мною художников, примерно о том же: «Служение и самовыражение. Грубо говоря, существуют сегодня два типа художников, стоящих на разных творческих платформах. Первая из них использует служение своему народу, истине, правде, идеям и т. д. И вторая — это самовыражение. В первом случае художник лицом повернут к людям, к жизни, к миру. Во втором — он смотрит внутрь себя, в свои чувства и эмоции, погружен в поиск своего лица. Для первых необходим язык искусства, понятный многим, ибо служение должно доходить до понимания сотен и тысяч людей, это ведь, в конце концов, служение людям. И это предполагает серьезную профессиональную подготовку художника. Серьезность задач подразумевает и глубину постижения формы, языка искусства. Поклонники самовыражения стоят перед рядом трудностей. Поиск собственного лица, узнаваемости среди сотен других художников. Это требует высокого напряжения, определенного интеллекта, широкого знания международного состояния близких по манере художников. Постоянное непонимание зрителей тоже влияет на характер творчества и необходимость своему искусству придать некоторую коммерческую привлекательность. Появление авангардистских направлений всегда базировалось на ожесточенном неприятии взглядов предшественников. Во многом энергия художников-модернистов опиралась на негативное отношение к художникам-реалистам».

Г.Н.: Художественные выставки – это всегда возможность увидеть творческое лицо художника, прикоснуться к чертам его характера, а также прожить вместе с ним часть жизни в его картинах. Какие выставки последнего времени произвели на Вас особое впечатление? Что Вы для себя открыли в рамках этих экспозиций?

Е.И.: Да, это так…красиво сказано – «...прожить вместе с ним часть жизни в его картинах», я бы добавила – посещение персональной выставки художника – это погружение в мир художника: мир его чувств, мыслей. Мне нравится цитата из дневников Ювеналия Коровина, советского живописца и графика: «Биография художника может внешне казаться однообразной, даже скучной. Важно, чтобы его жизнь была наполнена внутренними событиями». Я любила повторять, что самое большое впечатление в жизни на меня произвела юбилейная выставка Карла Брюллова в Москве, но это было давно… до сих пор помню свое впечатление от персональной выставки преподавателя нашего факультета Георгия Михайловича Кошельникова. За последнее время нельзя не отметить персональную выставку Павла Рыженко в Краснодарском краевом художественном музее им. Ф.А. Коваленко, выставку «Продлите музыку мою…» Ивана Ильича Захарова в Художественной галерее САНТАЛ, и коллективную выставку «Гений места», посвященную Краснодару, в которой я принимала участие.

Г.Н.: Важное место в творчестве и жизни художника занимают пленэры. Пленэризм как техника живописи позволяет художнику, по мнению, Камилля Писарро, «разглядеть красоту в обычных вещах». А что удалось разглядеть Вам на Ваших пленэрах? Какие работы или даже циклы работ создавались по итогам этих пленэров?

Е.И.: Писарро мой любимый из импрессионистов! Главным при работе на пленэре для    пейзажиста является выбор «мотива». Под словом «мотив» понимается определенное место в натуре, отдельный фрагмент пейзажа, который изображается художником.  Мотивом не бывает какой-либо один объект (дом, дерево и т.д.), потому что каждый предмет находится в определенном окружении, на определенном фоне. Мотив представляет сложную группу взаимосвязанных объектов, объединенную ситуацией в природе, состоянием среды. Каждый пейзаж (или мотив) имеет свою тему, которая выражается не только по названию входящих в него объектов (например, «Мостик», «Подснежники. Осинник»), но и по состоянию природы («Снег идет», «Туман», «Вечер»).

 Начиная работать на пленэре, студенты иногда выбирают такие пейзажные мотивы, которые напоминают им виденное у мастеров пейзажа (И.И. Левитана, И.И. Шишкина и др.) или то, что обычно видят у товарищей и на выставках. Таким образом, начинающие пейзажисты смотрят на мир чужими глазами. Поэтому преподаватели советуют студентам практиковать мысленный выбор мотива, когда   они просто идут по улице, определять композицию, выбор красок, необходимых для выбранного мотива («писать глазами»).

 Иногда студенты жалуются, что им нечего   рисовать, окружающая природа скучна и неинтересна. Им  кажется, что красивый пейзаж можно   сделать лишь в красивой по туристским или дачным стандартам местности. Такое наивное представление о красоте также можно объяснить неумением увидеть интересный мотив в окружающей природе. Наоборот, пейзаж получается тем оригинальнее, чем обыкновеннее то окружение, в котором он увиден. Богатый пластический мотив художник может найти и в незатейливой группе   деревьев, сельских домов, в поле с проселочной дорогой, группе облаков, плывущих над землей. Поэтому лучше всего искать понравившиеся мотивы у себя дома, рядом, на своей улице или в своем селе. Умение видеть окружающее глазами художника – самое важное качество, которое должен   развивать   в себе   пейзажист.

Г.Н.: Исаак Левитан, будучи мастером «пейзажа настроения», был способен передать те эмоции, которые удалось ему воплотить в его работах «Березовая роща» (1885-1889), «Март» (1895), «Над вечным покоем» (1894) и многих других. Какие эмоции Вы стремитесь передать в своих работах? Как эти стремления отражаются в творчестве Ваших учеников?

 Е.И.: Да, полотна лучших русских пейзажистов (И.И. Шишкина, А.К. Саврасова, И.И. Левитана) представляют замечательный пример решения темы в пейзаже. Природа, изображенная   на   их картинах, не имеет ничего общего с равнодушно и бездумно воспроизведенным куском поля, леса или   реки ради «красивости» того или иного мотива.

Выбор темы для пейзажа определяется прежде всего большим интересом и неотступным желанием изобразить понравившийся вид. «Это относится и к выбору мотива, который непременно должен чем-то вас взволновать: тронуть ли милой простотой или увлечь задачей, решение которой   вы предвидите. Словом, пишите только то, на что откликнулась ваша мысль ваше чувство. В этом отклике заключен   залог удачи», - как говорил советский художник и теоретик искусства Николай Николаевич Волков.

Окружающий мир для художника – источник впечатлений и переживаний. Основываясь на личном восприятии природы, пейзажист стремится передать зрителю свои чувства, настроения, эстетические переживания, вызванные красотой природы. В пейзаже художнику помогает ощущение внутренней близости к живой природе, способность полно и глубоко откликаться на ее изменения. Например, один художник найдет в осеннем мотиве легкую элегическую грусть, другой – тоску оскудения, третьему осень явится пиршеством изобилия, а четвертый почувствует ее как трагедию умирания природы. И в каждом случае пейзажист будет стремиться реализовать свое чувство в произведении как можно полнее и достовернее.

 Если замысел художника   найдет   выражение в его работе достаточно убедительно, то чувство, которое жило в художнике, отразится в его произведении. Одинаково реальная для всех, объективно существующая природа предстает в изобразительном искусстве, произведениях художников в поэтическом, философском, психологическом многообразии.